
Irving Penn, la poética de lo esencial
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La Fundación MOP centra en el fotógrafo americano la cuarta propuesta expositiva de A Coruña como homenaje al centenario de su nacimiento¿Qué hace que una imagen sea inolvidable? Para Irving Penn, la fotografía era un arte de la observación, un ejercicio de sensibilidad capaz de ... encontrar algo interesante en un lugar ordinario. La respuesta radicaba en la capacidad de encontrar grandeza en lo ordinario y simplicidad en lo complejo, revelando las sutilezas de la condición humana. Su mirada despojó al mundo de distracciones para mostrar lo esencial: la pureza de las formas, la autenticidad de las texturas y la humanidad en su estado más desnudo.
'Centennial', la cuarta propuesta expositiva de la Fundación Marta Ortega Pérez (Fundación MOP) en su espacio del Muelle de Batería de A Coruña que permanece abierta hasta el 1 de mayo, propone un nuevo ejercicio de contemplación en la obra de Irving Penn (1917-2009), fotógrafo de revistas, retratista y explorador de la forma, quien se apartó del ruido visual mediante composiciones minimalistas y una meticulosa atención al detalle, invitando al espectador a mirar más allá de lo evidente. Desde los retratos de grandes figuras culturales hasta estudios de objetos cotidianos, redefinió la fotografía al combinar la precisión de un artesano con la intuición de un artista, demostrando que incluso en lo cotidiano hay espacio para la profundidad y la sofisticación.
Creada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (MoMA) tras su inauguración en 2017, la muestra ha llegado en exclusiva a España como homenaje al centenario de su nacimiento. Quien tenga la oportunidad de acercarse a A Coruña podrá disfrutar de una retrospectiva que presenta una selección de 175 fotografías que abarcan la carrera del fotógrafo estadounidense, desde finales de los años 30 hasta la primera década del siglo XXI.
Lo primero que destaca al explorar su trayectoria es la diversidad de temas que abarca, dejando claro que Penn trasciende el papel de un simple fotógrafo de moda. La exposición relata cómo se consolidó como uno de los artistas más influyentes de su tiempo. El recorrido, organizado en salas temáticas que reflejan los momentos clave de su obra, incluye su icónica cámara Rolleiflex y la emblemática lona pintada a mano que utilizó en sus retratos más célebres. La mayoría de las fotografías fueron tomadas en tan solo dos o tres lugares emblemáticos, e incluye una recreación de la esquina de su estudio, donde capturó la esencia de los sujetos que encarnaron su visión artística.
'Centennial' presenta una amplia variedad de su trabajo, que incluye retratos icónicos, estudios de naturaleza muerta y fotografías de moda, e invita a los visitantes a reflexionar sobre la evolución de su estilo y capacidad para capturar la esencia. A su vez, incluye fotografías de belleza icónicas y otras menos conocidas tomadas durante sus 65 años en Vogue.
Aunque Irving Penn es mundialmente reconocido como fotógrafo, su afición por la pintura fue una constante en su vida creativa, influyendo profundamente en su enfoque visual. Este interés le otorgó una sensibilidad cromática y una meticulosa atención al detalle propias de un pintor, cualidades que trasladó a su obra fotográfica. Su habilidad para 'pintar' con la cámara se reflejaba en el manejo excepcional del color, la luz y la composición, entendiendo ambas disciplinas como lenguajes complementarios que le permitían explorar nuevas dimensiones creativas dando forma a una estética única y atemporal.
El visitante se encontrará con fotografías callejeras y continúa en los bodegones, como el icónico que se convirtió en la primera portada de Vogue, donde los objetos parecen conectarse entre sí, destacando la constante presencia de la idea del tacto.
A su vez, se pueden observar retratos a figuras como Marlene Dietrich y Audrey Hepburn, los diseñadores Gianni Versace, Issey Miyake e Yves Saint Laurent e importantes escritores y artistas como Truman Capote, Joan Didion, Salvador Dalí, Zaha Hadid y Richard Avedon.
Irving Penn convirtió la fotografía en un diálogo profundo entre la etnografía y el arte, impulsado por su fascinación por la diversidad cultural. Llevando consigo un estudio portátil que, como homenaje a sus viajes, ha sido recreado en el exterior del espacio, recorrió entre los años 40 y 70 África, Asia, Europa y América Latina, capturando los rostros y las historias sobre comunidades diversas. Desde los mercados de Marruecos y las tradiciones de Guinea hasta los solemnes retratos de Cuzco en 1948, o los trabajadores urbanos de diferentes oficios de Nueva York, París y Londres con la serie 'Small Trades', cada imagen era un homenaje a la dignidad y la riqueza cultural, donde inclinaba su cámara desde abajo, en un gesto de reverencia.
Tras un meteórico ascenso a finales de 1940 y principios de la siguiente década, 1970 fue un periodo de madurez artística y exploración técnica para Penn, marcada por la decadencia y fuertemente influenciado por la compleja situación sociopolítica.
Una de sus cualidades más destacadas es la meticulosa implicación en cada etapa del proceso fotográfico, abordándolo con la dedicación de un pintor. Su obra refleja la influencia del detallismo y la precisión de los maestros holandeses, la iluminación dramática inspirada en el estilo rembrandtiano y la complejidad estructural de las composiciones cubistas.
Su visión sobre la belleza se distingue por su enfoque multifacético y revolucionario. Una de sus contribuciones más significativas fue cuestionar la noción de belleza perfecta, proponiendo en su lugar una reflexión profunda que descomponía y reconfiguraba los ideales establecidos. Penn llevó a cabo esta transformación a través de composiciones cargadas de sorprendentes yuxtaposiciones, que integraban elementos reminiscentes del juego cubista. Estas obras no solo desafiaban la percepción tradicional, sino que revelaban nuevas formas de armonía visual. Al hacerlo, su fotografía transcendía la mera representación para convertirse en una exploración conceptual del orden y el caos.
A través de técnicas experimentales y una estética deliberadamente imperfecta, Penn invitaba al espectador a reconsiderar los conceptos de orden, equilibrio y creatividad en el arte contemporáneo. Sus naturalezas muertas y retratos fusionaban lo ordinario y lo extraordinario, planteando preguntas sobre la naturaleza cambiante de la belleza y su capacidad de adaptarse y evolucionar en respuesta al contexto cultural.
El artista defendía que la belleza no se encuentra únicamente en el rostro de alguien, sino que se manifiesta en todo lo que nos rodea. Una de las series más fascinantes llamada 'Cigarettes' revela un universo de omnipresentes colillas de cigarrillos y chicles en estado de deterioro, «descomposición y mutilación», encontrados en las calles y convertidos en algo más que simples desechos. A través de la fotografía transforma la basura de las calles del Soho en piezas que resaltan la belleza oculta de lo que pasa desapercibido o ha sido rechazado por la sociedad. Sus sombras naturales, arrugas, y fisionomía los convierten en sujetos, cuerpos y texturas donde emerge una belleza inesperada y orgánica. Irving Penn comenzó a trabajar en estas fotografías en 1972 hasta que las elevó a categoría de museo, presentándolas al público en el museo MoMA en 1975 no exentas de polémica.
Una de las salas muestra los cigarrillos que fueron recurrentes en sus bodegones como recursos narrativos, accesorios estilísticos o símbolos de moda durante el último cuarto de siglo, que pasaron a representar la esencia de la cultura del usar y tirar que imperaba en los Estados Unidos. Encapsulaban el espíritu de un contexto físico y urbano saturado de fugacidad, consumismo y un vacío existencial marcado por la desilusión.
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